FUNDAMENTOS DEL ARTE I: Programa

Bloque 1. Los orígenes de las imágenes artísticas

Arte rupestre: pintura y escultura.
Representación simbólica.
Las construcciones megalíticas.
Stonehenge, mito y realidad.

Bloque 2. Las grandes culturas de la Antigüedad: Egipto. Mesopotamia y Persia. China

Egipto.
Cultura sedentaria y agrícola, arquitectura y obra civil.
Culto a los muertos, inmortalidad y resurrección. El mito de Isis.
El idealismo en la representación. Faraón Dios.
Esquematización narrativa: la pintura.
Rigidez narrativa y rigidez política.
Pintura a la encáustica.
Idealismo y naturalismo: escultura.
Mobiliario y objetos suntuarios.
Mesopotamia y Persia.
Hechos artísticos relevantes: restos arqueológicos.
China: escultura en terracota.

Bloque 3. El origen de Europa. Grecia

Grecia entre Egipto y Persia.
Política y arte: el Partenón.
Arquitectura griega. Elementos constitutivos.
Religión y arte. Fidias.
Apología del cuerpo humano. Fuerza y sensualidad.
Evolución de la forma desde el hieratismo egipcio: arte arcaico, clásico y helenístico.
Arte helenístico: naturalismo y expresividad, emoción y tensión dramática.
Cerámica griega: iconología, recursos ornamentales.
Técnicas: negro sobre rojo, rojo sobre negro.
Objetos de la cultura griega: figuras, herramientas, joyas.
El teatro griego: arquitectura, temas, recursos iconográficos.

Bloque 4. El Imperio occidental: Roma

Roma. La gran cultura mediterránea.
El arte etrusco. Elementos identificatorios.
La estructura política romana y su relación con el arte.
Clasicismo e idealización en las esculturas y bustos de emperadores.
La obra civil romana. Arquitectura.
Basílica. Obras públicas.
La pintura romana. Técnica del fresco.
Literatura y el teatro romano.
Artes aplicadas: mobiliario, objetos y vestimentas.

Bloque 5. El arte visigodo, el prerrománico y el arte hispanomusulmán.

Fin del imperio romano de occidente. El arrianismo.
Arquitectura: pérdida de la técnica arquitectónica romana.
El arte prerrománico asturiano.
La escultura: relieves en los capiteles.
Técnicas. Motivos iconográficos.
Arte de los pueblos del norte de Europa.
Normandos.
Los códices miniados. La ilustración en pergamino. Técnicas. Iconografía medieval.
Pergaminos y códices.
Joyería visigoda.
El arte árabe en la península ibérica. El islamismo. El arco de herradura. Arte mozárabe.

Bloque 6. El Románico, arte europeo

Creación y difusión del románico. La orden benedictina y San Bernardo de Claraval.
El milenarismo y su influencia en el arte.
El simbolismo románico. La luz. Mandorla.
Pantocrátor. Jerarquización.
La esquematización en la representación figurativa. Pintura y escultura.
Arquitectura. Características. Edificios representativos.
Pintura románica. Características iconológicas.
Escultura. Imágenes religiosas. Capiteles.
Pórticos.
Ropa, mobiliario, costumbres. Vida cotidiana.

Bloque 7. El Gótico

Desarrollo económico europeo. Auge de las ciudades.
El Gótico, arte europeo. Extensión geográfica.
Arquitectura: edificios públicos y religiosos.
La catedral gótica. Características. La bóveda ojival. Rosetón. Pináculos. Los vitrales góticos.
Etapas del Gótico: inicial, pleno y florido.
Pintura gótica. Pintura sobre tabla.
Técnica. Estucado. Dorado. Estofado.
Escultura, evolución desde el arte románico.
Vestimentas y costumbres.

Bloque 8. El Renacimiento

Etapas: Trecento, Quattrocento,Cinquecento.
Expansión del renacimiento desde Italia alresto de Europa.
Florencia (los Medici) y Roma (el papado).
Arquitectura del renacimiento. Tipología yedificios principales.
Escultura: Donatello.
Pintura: de la representación jerárquica medieval a la visión realista: Piero della Francesca, Giotto di Bondone, Masaccio.
Pintura al óleo. Técnica.
Canon renacentista: Sandro Boticelli.
Leonardo da Vinci: vida y obras.
El colorido veneciano: Tiziano, Tintoretto.

Bloque 9. Miguel Ángel Buonarroti

Biografía y la relación con su entorno.
Relación con los Medici, y con Julio II.
El artista como elemento relevante social.
El artista total.
Arquitectura. San Pedro del Vaticano.
Pintura. Capilla Sixtina. Pintura al fresco.
Concepción iconológica e iconográfica.
Escultura. Evolución personal. Obrasrepresentativas.

Bloque 10. El Renacimiento en España

Implantación. Cronología. Hitos históricos españoles:
Los Reyes Católicos.
Carlos V.
Felipe II y su relación con el arte.
Características peculiares del arte español de los siglos XV, XVI. Del plateresco a Juan de Herrera
Arquitectura: Palacio de Carlos V.
El Escorial. Fachada de la Universidad de Salamanca.
Pintura: Pedro de Berruguete. Tiziano. El Bosco. El Greco.
Sofonisba Anguissola.
Escultura: retablos. Alonso González Berruguete.
La música renacentista. Instrumentos.
Compositores.
El mueble y el vestuario.

Bloque 11. El Barroco

Origen. La crisis política europea. La guerra de los treinta años. La política española.
El concilio de Trento y su importancia en el cambio iconográfico en las imágenes religiosas.
El exceso, el desequilibrio manierista, la asimetría en el arte barroco.
Características de la arquitectura barroca.
Borromini. Bernini. La catedral de Murcia.
Púlpito de la Catedral de San Pedro. La columna salomónica.
Escultura barroca.
La imaginería española. Técnica y temática. Gregorio Fernández, Alonso Cano, Pedro de Mena.
La pintura barroca. El tenebrismo. Caravaggio. Naturalismo. Valdés Leal, Murillo.
El realismo. Diego de Silva Velázquez.
La pintura flamenca: Rubens, Rembrandt.
El costumbrismo holandés: Vermeer.
Carel Fabritius.
Música. El nacimiento de la ópera.
Elementos compositivos de la ópera:
música, libreto, escenografía, atrezo, vestuario.
Músicos importantes: Antonio Vivaldi, Claudio Monteverdi, George Friedrich Häendel, J. S. Bach, Georg P. Telemann, Jean-Philippe Rameau, Domenico Scarlatti.
Mobiliario, indumentaria y artes decorativas del barroco.

Bloque 12. El Rococó. Francia. Resto de Europa

Origen. Absolutismo político de la monarquía francesa. El "Rey Sol" Luis XIV, Luis XV.
Refinamiento sensual. Elegancia.
Arquitectura. El palacio de Versalles.
Pintura: Watteau. Fragonard. Boucher.
Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun.
Pintura en España.
Imaginería española.
Música: Mozart. Obras principales.
Óperas.
Mobiliario y decoración de interiores.
El estilo Luis XV. Indumentaria y artes decorativas.
La porcelana de Sèvres, Meissen
La Real Fábrica de vidrio de La Granja de San Ildefonso (Segovia).
La joyería del siglo XVIII.
La técnica del vidrio soplado.

Bloque 13. El Neoclasicismo

Origen. Vuelta al clasicismo renacentista.
Auge del orientalismo. Comercio con Oriente. Chinerías. La influencia de Palladio.
El estilo Imperio en Francia.
Arquitectura. Recursos formales griegos, romanos y renacentistas.
Edificios notables: Ópera de París, Capitolio en Washington, Congreso de los diputados en Madrid.
Escultura: Sensualidad, dinamismo.
Pintura. Auge de la pintura inglesa:
Thomas Lawrence, Joshua Reynolds, George Romney. Francia: Jean Louis David.
Jean Auguste Dominique Ingres.
Mobiliario. Francia, estilos Luis XVI, estilo imperio
Joyería. Relojes. Vestuario. Porcelana.

Abordar qué es el arte y cuáles son sus elementos fundamentales es tarea compleja, con tantos matices y enfoques diferentes que probablemente cada persona llegue a establecer sus propios valores acerca de lo que la creación artística le supone en su vida. Cada individuo, en cada momento diferente de su vida establece unos criterios personales y únicos acerca de lo que le gusta o no en una creación catalogada como artística. Estamos por tanto en un terreno formativo en el que los contenidos y procedimientos a desarrollar están encuadrados dentro de la subjetividad personal más absoluta. Visto así resulta difícil establecer que se debe enseñar acerca del arte, y sobre todo, qué deben aprender nuestros bachilleres acerca de lo que el arte es, y lo que va a suponer en su formación personal para el futuro. Aplicando un criterio científico procedimental, no parece idea descabellada mirar al pasado y valorar lo que en su momento fueron las creaciones plásticas más importantes y lo que supusieron en la historia creativa de los pueblos y culturas que nos precedieron. De esta manera, conociendo lo anterior, se puede valorar lo actual en mejores términos. Facilitar al alumnado una base cultural ayuda a mejorar la perspectiva de los estudiantes acerca de lo que se ha considerado como obra de arte a lo largo del tiempo y permite mejorar la visión personal sobre este apasionante debate. Es decir, el objetivo principal es presentar los objetos culturales anteriores, valorarlos y conocerlos para luego poder establecer las bases de la propia idea sobre qué es la creación artística, fundamentada sobre una base de conocimientos lo más firme posible.

Establecida la necesidad del aprendizaje de lo creado anteriormente en el mundo del arte, es pertinente dilucidar, teniendo presente la etapa educativa en la que nos encontramos, cómo presentar estos contenidos, y, sobre todo, cómo establecer los niveles formativos mínimos que los futuros bachilleres deben de adquirir en materia tan grande y compleja como es la creación artística. El arte no es matemática que de un resultado cierto e inmutable. Valorar la subjetividad es tarea imposible, puesto que no hay escala que cuantifique lo inabordable. Visto así, ¿qué evaluar y cómo? Antes de sucumbir ante el universo infinito de los matices artísticos, debemos plantearnos si se pueden sentar bases firmes que nos sirvan de vigía o hitos desde los que valorar y disfrutar de la belleza artística. Parece razonable y cierto que pueden presentarse, al menos, dos cimientos. El primero es intentar analizar la idea primigenia que subyace en toda creación plástica. El segundo es la comparación entre los objetos creados llevados a la realidad por la pulsión artística. En otras palabras: ¿Qué buscaba el artista y qué resultado ha obtenido? Establecidas estas dos bases, a partir de ellas, el alumno puede valorar lo creado, saber por qué se hizo de determinada manera y por qué el resultado obtenido. Y, además, crear su propia opinión acerca de por qué la forma artística tiene más valor en unos casos u otros. Todo esto supondrá al alumnado mejorar su desarrollo en la percepción artística, basado en pilares firmes, sólidos y razonadamente argumentados. Conocimientos obtenidos a partir de el substrato cultural facilitado por la administración educativa.

Señalados estos dos conceptos estables de formación, parece menos descomunal la tarea de formar a los alumnos en la creación artística puesto que la subjetividad en la percepción acerca del arte se ordena y categoriza a partir de estos dos planteamientos. Recordemos: cuál era la idea inicial, y cuál ha sido resultado obtenido. Y este debe ser el camino para proceder a la evaluación de lo aprendido. El alumno conoce las creaciones artísticas y/o culturales, identifica el origen, la idea, el objetivo para el que fueron creadas; y valora por comparación entre unas obras y otras, la plasmación obtenida como objeto artístico. De esta manera, nuestros bachilleres adquieren una sólida base histórica, mejoran su nivel de concepción filosófica del mundo, (puesto que la creación artística les ayuda con el uso de la forma plástica a solidificar sus ideas). Y finalmente, al valorar por comparación entre unas creaciones plásticas y otras, adquiere el propio sentido personal y crítico que la sociedad del futuro requiere.

Esta concepción de la formación artística es la que se pretende con esta asignatura tan importante en la modalidad de Bachillerato Artístico. Facilitar al alumno conocimientos, racionalmente asumibles, fiables desde un punto de vista de asunción personal, de las creaciones artísticas desde la antigüedad hasta nuestros días; fomentar la capacidad de análisis, juicio y crítica personal; y, por último, enraizar su futuro creativo en sólidas bases educativas. Conocer para juzgar, ese debe ser el camino.

La asignatura está concebida para impartirse a lo largo de los dos cursos de bachillerato. Una cuestión fundamental es abordar cómo organizar los contenidos a lo largo de los dos años de formación. Plantear de partida una visión caleidoscópica de las creaciones artísticas tiene el aliciente de la libre asociación creativa entre diferentes representaciones de los objetos artísticos, pero plantea una dificultad muy cierta en la ordenación mental de las creaciones plásticas en los alumnos, puesto que pueden no captar la importancia histórica que toda obra de arte tiene. Para minimizar esta circunstancia es importante, cuando se plantea la realidad formativa del aprendizaje, sentar una estructura de base que coloque la obra plástica en el momento inicial en el que se produce. Siendo esencial que se relacione la creación de las piezas de arte con su ubicación cronológica y geográfica. La correcta datación de los objetos artísticos (cuadros, esculturas, vestidos, joyas) es una necesidad cierta en todas aquellas representaciones creativas que buscan la ambientación de una obra en un tiempo y espacio determinado, ya sea cine, teatro, televisión, etc.

Por tanto queda razonablemente demostrado que el arte debe de conocerse, identificarse y relacionarse con el tiempo en el que fue creado. Así pues, deberá ser tarea del docente intentar cronologizar lo máximo posible las obras artísticas. De esta manera la formación facilitada al alumnado le ayudará a desenvolverse en el terreno de la creación plástica con mayor soltura y confianza.

Partiendo de la argumentación anterior y a modo de resumen; será tarea primordial en la docencia de esta asignatura que se combinen, al menos tres parámetros fundamentales: las explicaciones sobre el arte a partir de su origen como idea, desde el punto de vista formal y en relación al entorno histórico que la envuelve.

Por este motivo, el desarrollo cronológico de la creación artística deberá ser parte fundamental de la organización de los contenidos a lo largo de los dos años de impartición. Teniendo presente que la base esencial de esta asignatura es de contenido plástico, más que de contenido histórico. Por esta razón, deberá buscarse en las obras de arte la parte estética que es intemporal en todas ellas. Si pensamos, por ejemplo, en la abstracción figurativa, deberá buscarse la expresión formal de este concepto en las obras artísticas a lo largo de la historia. Otro tanto podría aplicarse, por ejemplo, al concepto de expresionismo; buscando similitudes y diferencias entre las esculturas rupestres, las gárgolas románicas, el arte precolombino y la escultura de las vanguardias del siglo XX, entre otros ejemplos posibles.

Será tarea del docente combinar los conceptos plásticos e históricos de manera que el alumno obtenga una visión global e interrelacionada de las obras de arte. Por un parte con el tratamiento formal que de la idea concebida se ha volcado en ella por parte del artista y por otra de los condicionantes históricos, sociales y empresariales del tiempo en que se desarrolla.

En este sentido "Fundamentos I" deberá de tener una presencia de contenidos teóricos muy importante puesto que es el que facilita al alumno la base formativa inicial. Es recomendable que se incida más en el primer curso en las bellas artes tradicionales: arquitectura, pintura y escultura; puesto que son las más alejadas conceptualmente de la etapa vital de los alumnos. Junto a esto, los contenidos del primer curso tendrán una mayor importancia cronológica en los siglos anteriores al s. XIX. El segundo curso debe de tener una parte combinativa de los elementos recibidos en el primer curso. "Fundamentos II" deberá incidir más en los siglos indicados (XIX, XX, XXI) y en las creaciones plásticas fundamentales en ellos como son: fotografía, cine, televisión y producción digital.

Es importante que no se produzca una división cronológica entre el primer año y el segundo porque el objetivo fundamental del alumno no es separar el arte por fechas sino entender que a pesar del paso del tiempo se producen expresiones parecidas a lo largo de la cultura de la humanidad. Piénsese por ejemplo en la relación del cine con las culturas anteriores. Por otro lado, se debe sopesar la gran importancia que tiene para la modalidad del Bachillerato de Artes todas las creaciones artísticas relacionadas con la música, la danza y las artes aplicadas.

Finalmente debe de tenerse muy en cuenta que las creaciones plásticas actuales tienen en su mayor parte, una presentación "multimedia". Es por tanto esencial, con vistas al futuro, que los alumnos reciban acompasadamente formación en: componentes visuales, destrezas manipulativas y audición musical.

La asignatura se desenvuelve a lo largo de dos cursos. Esta división permite a los centros docentes abordar los contenidos a desarrollar desde diferentes enfoques, ya que pueden organizarse las herramientas educativas teniendo presente que las posibles carencias que se detecten en el primer curso se pueden solventar en el segundo.

Asimismo conviene tener presente la situación formativa previa de los alumnos, muchos de los cuales tendrán una sólida formación musical, ya que habrán recibido formación, complementaria a la de la Educación Secundaria Obligatoria, en los Conservatorios de Música y de Danza, y en las Escuelas de Danza y otras instituciones afines. Asimismo, es previsible encontrarse con alumnos que en su formación anterior han alcanzado un notable grado de destrezas en el terreno de la expresión pictórica o digital.

Junto a esto, es una realidad educativa que Internet facilita la obtención de un caudal importante de contenidos, ya sea documentos o imágenes, con relativamente poco esfuerzo de búsqueda. Es por tanto una herramienta docente imprescindible. Teniendo siempre en cuenta que este material necesita ser convenientemente supervisado por el profesor.

Estas variables y otra más que deberán ser valoradas previamente indican la previsible tipología del alumnado que recibirá la formación en esta asignatura.

Además, las herramientas audiovisuales permiten presentar a los alumnos los contenidos gráficos de una manera fácil y potente. Estas herramientas permiten, entre otros recursos educativos, utilizar la comparación entre unas creaciones y otras como método sencillo para analizar correctamente la obra de arte y su identificación.

Por otro lado, el conocimiento de las herramientas informáticas por parte del alumnado suele ser en la mayoría de los casos de un nivel muy aceptable, con un grado de desenvoltura en el manejo de las herramientas, probablemente superior al resto de la sociedad. Esto permite utilizar las herramientas digitales en la didáctica del aula: presentaciones, tratamiento informático de las imágenes, integración de imagen y sonido, etc.

Todo esto supone que la metodología a aplicar en la docencia deberá ser abierta en la organización de los contenidos y las actividades. Y flexible en el desarrollo de los temas conceptuales y en la dinámica de los aprendizajes.

El aula puede ser un lugar importante de debate acerca de lo que se entiende por arte, por corrientes artísticas, por importancia de unos autores sobre otros.

Debe de valorarse, además de todo lo indicado, la importancia del trabajo en equipo. Si bien es cierto que determinadas actividades artísticas se desarrollan dentro de la creación individual no es menos cierto que muchas actividades se desarrollan trabajando en coordinación. Baste citar la música, la danza, el teatro, el cine, la televisión. Todas ellas se realizan, imprescindiblemente, en trabajo en equipo. Es pertinente por tanto, en la medida que sea posible, que los alumnos ejerciten las técnicas y herramientas del trabajo en grupo.

Finalmente, puesto que todo artista piensa en difundir su obra, es pertinente que se acompañe a la pura explicación plástica o estética de una obra de arte, los condicionantes sociales que permiten que se lleve a cabo. En este sentido conviene relacionar al artista con los sistemas que permiten que la creación y difusión de sus obras se produzca: mecenazgo, actividad empresarial, industrias, clientes, etc.

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